Podcast #4 Mental Health and The Movies

In this episode we talk about how mental health is portrayed in movies and those that have particularly resonated with us as well as our favourite director/actor pairings and best musician turned actor.

The Power Of Perspective & Mudbound (Film Review With Spanish Subtitles)

Una versión en español se puede encontrar debajo.

Hello and welcome back to Faulty Projector – where we review films of the independent persuasion and the odd blockbuster too. Today's film is Mudbound. Mudbound stars Jason Mitchell, Mary J. Blige, Carey Mulligan and Garrett Hedlund and tells the story of two different families living in 1940s rural Mississippi who are both struggling with farm life, racial politics and World War II. It was co-written and directed by Dee Rees and was released in the UK earlier this year.

Man, is this a harsh, devastating film. It does a wonderful job of showing just how hard this life would have been and almost every detail underlines this is some way. Be it the realities of childcare, cramped living conditions, harsh weather or more than living up its name in just how god damn dirty everything is, there is not a single pair rose-tinted glasses in sight. The script is smartly structured as to provide the audience with two perspectives on the same topic – that of a African American family, The Jacksons, and a Caucasian family, The McAllans – showing what unites them as much as what divides them and giving the interpersonal politics between them even more depth. Not content with this narrative structure the film is also an ensemble piece as six of the main players provide narration and sufficient time is allotted to each which further deepens their characters.

Of course, for this gamble to pay off you'd need great performances across the board and Rees has assembled a stellar cast of old and newer faces. Carey Mulligan shines in a way she hasn't for years, Jonathan Banks takes his grumpy-old-man persona to horrifying new levels, Garrett Hedlund finally marks himself as someone to keep an eye on and Mary J. Blige crystallises her status as a hugely affecting actor. There's honestly too many good performances to mention but it was perhaps Jason Mitchell's headstrong, frustrated and lost veteran Ronsel who stole the show for me. Due to all of these factors the film comes across as highly emotionally intelligent, able to make you empathise with even the most heinous of its characters.

The script deals with enough heady themes for several films - PTSD, farm life in the 40s, class struggle, sexism and racism - but interweaves them brilliantly. It has a lot to say about each topic and does so in as many grand gestures as it does in smaller, subtler moments too. There's also a strong undercurrent of tension running throughout the film due to the way it's edited and because of its socio-political environment which was incredibly gripping but also managed to make the audience experience the daily fear many had (and continue) to live with. For a film of such ambitious scope it does a lot with a little (it was made for only $10 million) and rarely does it show. It's also an incredible looking film as Rees and her cinematographer Rachel Morrison conjure up some striking vistas and cleverly balance the grim nature of the lifestyle with its small moments of beauty.

Although it juggles many characters well there are a couple of narrative missteps and the balance between them all occasionally falters, especially towards the end. As mentioned the film looks amazing for how little it cost but there are one or two moments, mostly noticeably during the World War II scenes, were the tight budget is apparent. It also veers dangerously close to schmaltz at times (that credits song, wow) and if you've seen a film in a similar setting before you'll know how much of it will play out.

Mudbound is a stark, highly engrossing, complex and heartbreaking film which stands as one of the years best. I'm going to give it an 8/10 and would recommend it to fans of The Grapes of Wrath, 12 Years a Slave, To Kill A Mockingbird and The Colour Purple. I'm catching-up on a lot of films for my Top Films of 2017 video at the moment but Mudbound is sure to be on there. So if you've got any suggestions for films that I should see before the year is out please send them my way! And have you seen Mudbound and what did you think of it? As always let me know in the comments below and make sure to subscribe for more reviews coming soon!

Hola y bienvenidos de nuevo a Faulty Projector, donde hablamos sobre películas independientes y en ocasiones también sobre taquillazos. La película de hoy es Mudbound. Mudbound está protagonizada por Jason Mitchell, Mary J. Blige, Carey Mulligan y Garrett Hedlund y cuenta la historia de dos familias diferentes que viven en el Mississippi de los años 40 que luchan contra la vida en la granja, la política racial y la Segunda Guerra Mundial. Fue co-escrito y dirigido por Dee Rees y se estrenó en el Reino Unido a principios de este año.

Señores, es una película dura y devastadora. Hace un trabajo maravilloso al mostrar lo difícil que hubiera sido esta vida y casi todos los detalles subrayan esto de alguna manera. Ya sea por las realidades del cuidado de los niños, las condiciones de vida abruptas, las inclemencias del clima o incluso haciendo honor a su nombre en cómo todo está terriblemente sucio, no hay nada pintado de color de rosa. El guión está estructurado de manera inteligente para proporcionar al público dos perspectivas sobre el mismo tema: la de una familia afroamericana, The Jacksons, y una familia caucásica, The McAllans, mostrando lo que los une así como lo que los divide y dando a la política interpersonal entre ellos aún más profundidad. No contento con esta estructura narrativa, la película es también una pieza de conjunto, ya que seis de los principales actores proporcionan narración y se les asigna suficiente tiempo para profundizar más en sus personajes.

Por supuesto, para que esta apuesta valga la pena necesitarías grandes actuaciones en todos los ámbitos y Rees ha reunido un elenco estelar de caras viejas y nuevas. Carey Mulligan brilla de una manera en la que no lo había hecho durante años, Jonathan Banks lleva a su personaje gruñón y anciano a niveles espeluznantes, Garrett Hedlund finalmente se marca a sí mismo como alguien a quien vigilar y Mary J. Blige cristaliza su estatus como una gran actriz que conmueve. Honestamente, hay muchas actuaciones buenas para mencionar, pero quizás Jason Mitchell como el testarudo, frustrado y perdido veterano Ronsel fue para mi la sensación. Debido a todos estos factores, la película resulta emocionalmente inteligente, capaz de empatizar incluso con los personajes más atroces. El guión trata con temas bastante embriagadores para varias películas: trastorno de estrés postraumático, vida en la granja en los años 40, lucha de clases, sexismo y racismo, pero los entrelaza de manera brillante. Tiene mucho que decir sobre cada tema y lo hace en tanto en gestos grandiosos como en momentos más pequeños y sutiles.

También hay una fuerte corriente subterránea de tensión en toda la película debido a la forma en la que se edita y debido a su entorno sociopolítico, que fue increíblemente emocionante, pero también logró hacer que la audiencia experimentara el miedo diario que muchos tenían (y continúan) viviendo. Para una película de un alcance tan ambicioso, hace mucho con muy poco (se hizo por sólo 10 millones de dólares) y rara vez se muestra. También es una película de aspecto increíble, ya que Rees y su directora de fotografía, Rachel Morrison, evocan algunas vistas sorprendentes y equilibran hábilmente la naturaleza sombría del estilo de vida con sus pequeños momentos de belleza.

Aunque hace malabares con muchos personajes, hay un par de tropiezos narrativos y en ocasiones el equilibrio entre ellos vacila, especialmente hacia el final. Como se dijo anteriormente, la película se ve increíble para lo poco que costó, pero hay uno o dos momentos, sobre todo durante las escenas de la Segunda Guerra Mundial, donde el presupuesto ajustado es evidente. También a veces gira peligrosamente cerca del sentimentalismo (esa canción de los créditos, wow) y si has visto una película en un entorno similar antes sabrás cuánto de esto se desarrollará.

Mudbound es una película dura, absorbente, compleja y desgarradora que se destaca como una de las mejores del año. Voy a darle un 8/10 y se lo recomendaría a los fanáticos de The Grapes of Wrath (Las uvas de la ira), 12 Years a Slave (12 años de esclavitud), To Kill A Mockingbird (Matar a un ruiseñor) y The Color Purple (El color púrpura). En este momento, me estoy poniendo al día en muchas películas para mi video “Top Films of 2017”, pero Mudbound seguramente estará allí. Así que si tienes alguna sugerencia para las películas que debería ver antes de que termine el año, por favor enviamelas. ¿Has visto Mudbound y qué piensas sobre ella? Como siempre házmelo saber en los comentarios de abajo y asegúrate de suscribirte para las próximas reseñas.

How Neruda Constructs A Poetic Challenge (Film Review With Spanish Subtitles)

Una versión en español se puede encontrar debajo.

Hello and welcome back to Faulty Projector – where we review films of the independent persuasion and the odd blockbuster too. Today's film is Neruda. Neruda is a Chilean biopic directed by Pablo Larraín which was released in the UK earlier this year. It stars Luis Gnecco, Gael García Bernal and Mercedes Morán and details famed poet and political figure Pablo Neruda's attempts to evade capture as the Chilean government clamps down on communism in the late 1940s. I've been following Larraín's directorial career for a while now, having enjoyed everything I've seen by him, and his latest is an intriguing, unique take on the biopic.

This originality is certainly the films key strength as it plays with audience expectations of the genre whilst simultaneously blending others into the mix. It also plays with post-modernist concepts of authenticity, reality and fiction in ways that make it unpredictable and often very funny. Larraín makes use of an impressive variety of formal choices ranging from lens flair, purposely cheap-looking rear projection and colour filters to shallow depth of field, spontaneous changes in blocking and the occasional fish-eye lens. The political background – that of societal oppression and the working class struggle – is nicely peppered throughout and provides an extra sense of gravitas to proceedings.

Speaking of gravitas the film is incredibly well acted - Bernal and his hilariously deluded sense of self-importance, Morán's resilient, independent turn as Neruda's wife and Gnecco as the man himself, playing him as a mess of contradictions who cannot help but emerge sympathetic. This is worth praise in and of itself as the film does not shy away from Neruda's hypocrisy like so many other biopics before it and the scenes which deal with this aspect of his personality are some of its finest. The mise en scène, both exterior and interior, are incredibly rich and full of detail and the film's score by Federico Jusid is beautifully wistful.

The film is not without its faults, however. The editing in the first half races along at a breakneck speed and it can be very hard to keep a track of everything going on. The films smorgasbord of stylistic choices can often feel overwhelming and distracting and repeatedly took me out of the film. This is compounded somewhat by the fact that Larraín utilised many of these visual decisions in his previous film, The Club, where they felt much more at home. Moreover it takes a lot of cues from comedy-detective stories which is a subgenre I've never had much interest in and as such was an addition I didn't particularly enjoy. Although appropriate for its subject I also found it a bit too lyrical in places as to become meandering and weightless and the films flirtations with meta commentary felt unsatisfying and awkward.

Neruda is a daring, often beautiful and interesting film that, due to several key creative decisions, I failed to fully connect to. I'm going to give a 6/10 and would recommend it to fans of Before Night Falls, No, American Splendour and I'm Not There. I'd also say that whose who have a particular interest in Chile or the work of Pablo Neruda himself will probably take a lot more from the film than I did. But have you seen Neruda and if so, what did you think of it? As always let me know in the comments below and make sure to subscribe for more reviews coming soon!


Hola y bienvenidos de nuevo a Faulty Projector, donde hablamos sobre películas independientes y en ocasiones también sobre taquillazos. La película de hoy es Neruda. Neruda es una biopic chilena dirigida por Pablo Larraín que se estrenó en Reino Unido a principios de este año. Está protagonizada por Luis Gnecco, Gael García Bernal y Mercedes Morán y detalla los intentos del poeta y político Pablo Neruda de evitar ser capturado mientras el Gobierno chileno reprime el comunismo a finales de los 40. He estado siguiendo la carrera de Larraín como director desde hace un tiempo, habiendo disfrutado de todo lo que he visto de él, y la última es una visión intrigante y única de la película biográfica.

Esta originalidad es claramente el punto fuerte de la película, ya que juega con las expectativas de la audiencia de este género mientras que al mismo tiempo combina otros en la mezcla. Incluso juega con conceptos postmodernistas de autenticidad, realidad y ficción que hace que se vuelva impredecible y en ocasiones muy graciosa. Larraín hace uso de una impresionante variedad de elecciones formales, que van desde el estilo de las lentes, la proyección trasera con un aspecto deliberadamente corriente y los filtros de color hasta la profundidad de campo, los cambios espontáneos en el bloqueo y el ocasional objetivo ojo de pez. El trasfondo político, el de la opresión social y la lucha de la clase trabajadora, está muy bien salpicado y proporciona un sentido extra de seriedad al proceso judicial.

Hablando de seriedad, la película está muy bien interpretada: Bernal y su sentido de la autoestima graciosamente engañoso, la actitud flexible e independiente de Morán como esposa de Neruda y Gnecco como el hombre mismo, interpretándole como un nido de contradicciones que no puede dejar de sentirse compasivo. Esto es digno de elogio en sí mismo, ya que la película no rehuye de la hipocresía de Neruda como otras muchas biopics anteriores a esta y las escenas que tratan sobre este aspecto de su personalidad son algunas de las mejores. La puesta en escena, tanto el exterior como el interior, es increíblemente rica y llena de detalles y la partitura de Federico Jusid es hermosamente nostálgica.

Sin embargo, la película no carece de defectos. La edición en la primera mitad corre a una velocidad vertiginosa y puede resultar bastante difícil seguir todo lo que pasa. El batiburrillo de opciones estilísticas de la película puede sentirse a veces abrumador y molesto y me sacó de la película constantemente. Esto se ve agravado de alguna manera por el hecho de que Larraín utilizó muchas de estas decisiones visuales en sus película anterior, The Club (El Club), donde se sintieron mucho más en casa. Además, toma mucha nota de las historias de comedia y detectives, que es un subgénero en el que nunca he tenido mucho interés,y como tal, fue un añadido que no disfruté. Aunque fue apropiado para su temática, también me pareció demasiada lírica en algunos momentos como para volverse dispersa y ligera y los coqueteos de la película con los metacomentarios resultaron insatisfactorios y extraños.

Neruda es una película osada, en ocasiones hermosa e interesante con la que, debido a varias decisiones creativas, no pude conectar totalmente. Voy a darle un 6/10 y la recomendaría a los fans de Before Night Falls (Antes que anochezca), No, American Splendor y I'm Not There. También tengo que decir que quien tenga un particular interés en Chile o en trabajo del propio Pablo Neruda seguramente disfrute la película más que yo. Pero, ¿has visto Neruda ? Y si es así, ¿qué te pareció? Como siempre házmelo saber en los comentarios de abajo y asegúrate de suscribirte para las próximas reseñas.

Podcast #3 The Problem With 'Dark and Gritty' Movies

In this episode we examine the 'dark and gritty' Hollywood trend and talk about our favourite documentaries and top films we defend against popular opinion!

How Lady Macbeth Keeps The Period Drama Fresh (Film Review With Spanish Subtitles)

Una versión en español se puede encontrar debajo.

Hello and welcome back to Faulty Projector – where we review films of the independent persuasion and the odd blockbuster too. Today's film is Lady Macbeth. Lady Macbeth is a British period drama which was released earlier this year, was directed by William Oldroyd and stars Florence Pugh and Cosmo Jarvis. Adapted for the screen by Alice Birch from the novel Lady Macbeth of the Mtsensk District by Nikolai Leskov (which, as you may have guessed, takes more than a few cues from the Shakespeare play), is set in the 19th century and tells the story of a young woman sold into a loveless marriage who desires much more from life and isn't afraid of getting her hands dirty along the way.

Although not a great lover of period dramas I thoroughly enjoyed Lady Macbeth. I think the key reason for this was that the film has a subtle undercurrent of modernity running through it. Achieved via both the characters and the story this tone makes the film feel fresh, unpredictable and exciting. It is also a cold, harsh study of repression and isolation which pulls no punches in its depiction of either. The sound design and music perfectly match this atmosphere and both are used sparingly but when employed are highly memorable. The depiction of nature (strongly contrasted to that of the indoors), is as an untameable, wild and unforgiving space and this ties in neatly with the overall themes of the film. This is smartly mirrored in the framing and camerawork as inside the manor the shots are static and symmetrical but outside the camera becomes unhinged and chaotic.

The costuming also does a sly job of subtly morphing throughout the runtime in conjunction with our heroin's evolution. The film frequently challenges its audience in a variety of ways - by pushing audience sympathy to its limits, in its illustration of boredom and in its matter-of-fact and punishing depiction of violence. It's also, due to many of these creative decisions, incredibly tense at moments and builds up suspense in a wonderfully classical manner. Lastly although the acting is great across the board special mention must go to Naomi Ackie for her spine-chilling, heartbreaking turn as servant Anna and Florence Pugh's commanding, brave and career marking performance as Katherine.

What let the film down for me was its final act. Without spoiling anything there is a violent act towards the end of the film which felt over-the-top and unnecessary. It was hard for me to move on after this particular scene and it went to an extreme that soured the overall experience somewhat. It also ends disappointingly - without sufficiently exploring the psychology of its main protagonist, leaving the audience with the answer to how but not why.

Lady Macbeth is a refreshing, taut little thriller that unfortunately comes undone towards the end of its running time. I'm going to give it a 7/10 and would recommend it to fans of the 2011 version of Wuthering Heights, either version of My Cousin Rachel, Sunset Song and The Beguiled. So, sorry that I haven't put out a video in a few weeks, I've just been too busy. I also recently saw Certain Women (which was pretty good) In This Corner of the World (which almost great), A Cure For Wellness (which was terrible, avoid at all costs) and Treasure Planet (which was surprisingly good!). But have you seen Lady Macbeth and if so, what did you think of it? As always let me know in the comments below and make sure to subscribe for more reviews coming soon!


Hola y bienvenidos de nuevo a Faulty Projector, donde hablamos sobre películas independientes y en ocasiones también sobre taquillazos.

La película de hoy es Lady Macbeth. Lady Macbeth es un drama de época británico que se lanzó a principios de este año, dirigido por William Oldroyd y con las estrellas Florence Pugh y Cosmo Jarvis. Adaptada para la pantalla por Alice Birch de la novela Lady Macbeth of the Mtsensk District de Nikolai Leskov (que, como habrás adivinado, toma unos cuantos apuntes de la obra Shakespeare), se desarrolla en el siglo XIX y cuenta la historia de una joven mujer vendida a un matrimonio sin amor que desea mucho más de la vida y que no tiene miedo de ensuciarse las manos en el camino.

Aunque no soy un gran amante de los dramas de época, disfruté muchísimo con Lady Macbeth. Creo que la razón principal de esto fue que la película tiene un sutil trasfondo de modernidad atravesándola. Logra, a través de los personajes y de la historia, este tono que hace que la película se sienta fresca, impredecible y emocionante. Es también un frío y severo estudio de la represión y el aislamiento que no se anda con rodeos. El diseño de sonido y la música encajan perfectamente con esta atmósfera y ambos se usan con moderación, pero cuando se usan son extremadamente memorables. La representación de la naturaleza (fuertemente contrastada con la del interior) es como un espacio indomable, salvaje y cruel, y esto se relaciona esmeradamente con los temas generales de la película. Esto se refleja de manera inteligente en el encuadre y en el trabajo de cámara, ya que dentro de la mansión las tomas son estáticas y simétricas, pero fuera la cámara se vuelve volátil y caótica.

El vestuario también hace un trabajo astuto al transformarse sutilmente a lo largo del tiempo de ejecución en relación con la evolución de nuestra heroína. La película desafía con frecuencia a su audiencia de varias maneras: al llevar la compasión del público hasta sus límites, en su ilustración del aburrimiento y en su representación del hecho y castigo de la violencia. También es, debido a muchas de estas decisiones creativas, increíblemente tensa en momentos y acumula el suspense de una manera maravillosamente clásica. Por último, aunque la actuación en general es genial, la mención especial debe ser para Naomi Ackie por su escalofriante y desgarradora interpretación de la sirvienta Anna y para Florence Pugh por su interpretación imponente, valiente y profesional como Katherine.

Lo que hizo bajar la película para mí fue su acto final. Sin adelantar nada, hay un acto violento hacia el final de la película que se siente excesivo e innecesario. Fue difícil para mí continuar tras esta particular escena y llegó a un extremo que en cierto modo agrió la experiencia global. También termina de manera decepcionante, sin explorar suficientemente la psicología de su protagonista principal, dejando al público con la respuesta del cómo pero no del por qué.

Lady Macbeth es un thriller refrescante y tenso que desafortunadamente se viene abajo hacia el final de su ejecución. Voy a darle un 7/10 y se la recomendaría a los fans de la versión de 2011 de Wuthering Heights (Cumbres Borrascosas), también la versión de My Cousin Rachel (Mi prima Raquel), Song y The Beguiled (La seducción). Bueno, perdonad por no haber subido vídeo en las últimas semanas, he estado demasiado ocupado. Además, recientemente he visto Certain Women (estuvo bastante bien), In This Corner of the World (En este rincón del mundo) (casi genial), A Cure For Wellness (La cura del bienestar) (que fue terrible, evitarla a toda costa) y Treasure Planet (El planeta del tesoro) (¡que fue sorprendentemente buena!). Pero, ¿has visto Lady Macbeth? Y si es así, ¿qué te pareció? Como siempre házmelo saber en los comentarios de abajo y asegúrate de suscribirte para las próximas reseñas.

Podcast #2 Ambitious Cinematic Failures

The second in a series of podcasts covering various cinematic themes and film rankings co-hosted by Dennis Routledge-Tizzard and Robert Beames. In this episode we delve into the world of ambitious cinematic failures and rank the best films about the end of the world, directorial debuts and more!

A Ghost Story & The Rewards Of Risk (Film Review With Spanish Subtitles)

Una versión en español se puede encontrar debajo.

Hello and welcome back to Faulty Projector – where we review films of the independent persuasion and the odd blockbuster too. Today's film is A Ghost Story. A Ghost Story is a supernatural indie drama written and directed by David Lowery. It was released earlier this year, stars Casey Affleck and Rooney Mara and tells the story of a couple whose lives are changed forever when one of them dies in a car crash, comes back as a ghost and finds himself unable to leave their home. Although not for everyone – it's highly unconventional, more than a little slow and easy to mock – A Ghost Story really got under my skin.

In fact the things that many will dislike about it are exactly what drew me in as it's a highly original and creative piece of film-making. The way it blends dry humour, grief, existential concerns and tacky imagery together is very impressive and I've never seen anything quite like it. The themes of the film – romantic intimacy, grief, the importance of physical spaces, ones place in the world and our conception time (to name but a few) – are, much like the film as whole, at once huge and modest at the same time. It manages to convey these ideas and pose these questions in such a way that it never loses sight of its human core yet at the same time neither feels itself hamstrung by any one narrative, time or character. This was a little frustrating at first but once I relaxed, let the film be and got on its wavelength I found it hugely satisfying and it stayed with me for days afterwards.

The soundtrack for the film, by musician Daniel Hart, is similarly eclectic and vast. The music goes from strings to synths, from bombastic to ambient and from warm to menacing incredibly organically and added so much to the emotional weight of the film. The cinematography is also fantastic – with many comparing it to the work of Terrance Malick – and many images (with their impressive use of light, colour and composition) really struck a cord with me. Experimenting with framing must be in vogue at the moment as following in the footsteps of The Beguiled and It Comes At Night A Ghost story makes the interesting choice to use a unique aspect ratio of 1.33:1 (with the edges smoothed off no less). Lowery has stated it was used to increase the sense that Affleck's character is trapped but it also gives it a timeless feel and increases the sense of intimacy present.

There are also a few very nicely realised visual effects that play with light and colour which may, or may not, be meant to represent the spirit world and some brilliant shots of the solar system. The use of editing, which was assisted by personal favourite Shane Carruth (of Primer and Upstream Colour fame), is an integral part of the storytelling in A Ghost Story. It doesn't use fades to denote time passing, as is customary, and is wonderfully cut in such a way as to play with our sense of time as a solely linear experience.

There are also a number of challenging long shots in the first half of the film which, much like the film as a whole, go from intriguing to mildly frustrating to finally ending up somewhere wholly special. I'd be remiss if I didn't mention the inspired choice of costuming in A Ghost Story as it manages to turn a normally silly, cheap image of a bed sheet with holes cut into it into a sad yet oddly amusing image. As if all these different moving parts and varying tones weren't enough the film also manages to be incredibly creepy and dryly humorous at various points throughout. The film ends perfectly by withholding the information we thought we wanted and instead gives us something infinitely more satisfying.

There was little I disliked about A Ghost Story but I would say that in the wake of the sexual assault allegations I felt conflicted (to say the least) during the scenes that had Casey Affleck intimately interacting with Rooney Mara. There's also a nihilistic monologue around the midpoint of the film which is clearly pertinent to its themes but came off more annoying than interesting and could have been worked on a little more. The only other criticism I have is that the film could have spent just a little longer with its central couple in the beginning to allow the audience to bond with them more so that their eventual pain and grief has slightly more impact.

A Ghost Story is that rare breed of film that I could have quite happily rewatched immediately as the credits rolled. I'm going to give it an 8/10 and would recommend it to fans of The Tree of Life, Blue Valentine, Personal Shopper and Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives. So I was pretty damn happy with A Ghost Story and it might actually move up to a 9/10 after a rewatch. But have you seen A Ghost Story and if so, what did you think of it? As always let me know in the comments below and make sure to subscribe for more reviews coming soon!


Hola y bienvenidos de nuevo a Faulty Projector, donde hablamos sobre películas independientes y en ocasiones también sobre taquillazos. La película de hoy es A Ghost Story. A Ghost Story es un drama sobrenatural independiente escrito y dirigido por David Lowery. Se lanzó a principios de este año, con las estrellas Casey Affleck y Rooney Mara y cuenta la historia de una pareja cuyas vidas cambiaron para siempre cuando uno de ellos muere en un accidente de tráfico, regresa como un fantasma y no puede salir de su casa. Aunque no es para todos (es muy poco convencional, más que un poco lenta y fácil de parodiar), A Ghost Story realmente se metió debajo de mi piel.

De hecho, las cosas que a muchos no les gustarán son exactamente las que me atrajeron, ya que es una pieza cinematográfica muy original y creativa. La forma en que combina el humor seco, la aflicción, las preocupaciones existenciales y las imágenes horteras son impresionantes, yo nunca he visto algo así. Los temas de la película: la intimidad romántica, el dolor, la importancia de los espacios físicos, el lugar de uno en el mundo y nuestra concepción del tiempo (por nombrar algunos) son, al igual que la película en su totalidad, enormes y modestos al mismo tiempo. Se las arregla para transmitir estas ideas y plantear estas preguntas de tal manera que nunca pierde de vista su núcleo humano, pero al mismo tiempo tampoco se siente obstaculizado por una sola narración, tiempo o personaje. Esto fue un poco frustrante al principio, pero una vez que me relajé y dejé que la película fuese y llegase a su longitud de onda, la encontré enormemente satisfactoria y me acompañó durante días.

La banda sonora de la película, del músico Daniel Hart, es igualmente ecléctica y amplía. La música va de las cuerdas a los sintetizadores, de lo grandilocuente a lo ambiental y de lo cálido a lo amenazante de una manera orgánica y añade mucho al peso emocional de la película. La cinematografía también es fantástica, (muchos la comparan con la obra de Terrance Malick), y muchas imágenes (con su impresionante uso de la luz, el color y la composición) realmente me tocaron la fibra sensible. Experimentar con los encuadres debe estar en boga actualmente, ya que siguiendo los pasos de The Beguiled y de It Comes at Night, A Ghost Story ofrece la interesante opción de usar una relación de aspecto única de 1.33: 1 (sin los bordes suavizados). Lowery ha declarado que se utilizó para aumentar la sensación de que el personaje de Affleck está atrapado, pero también le da una sensación atemporal y aumenta la sensación de intimidad presente.

También hay algunos efectos visuales muy bien realizados que juegan con la luz y el color que pueden, o no, representar el mundo de los espíritus y algunos puntos brillantes del sistema solar. El uso de la edición, que fue asistido por mi favorito Shane Carruth (conocido por Primer y Upstream Color), es una parte integral de la narración en A Ghost Story. No usa fundidos para indicar el paso del tiempo, como es habitual, y está maravillosamente cortado, de tal manera que juega con nuestro sentido del tiempo como una experiencia únicamente lineal.

También hay una serie de largas secuencias desafiantes en la primera mitad de la película que, al igual que la película en su conjunto, van de intrigante a levemente frustrante para finalmente terminar en algún lugar totalmente especial. Sería negligente si no mencionase la inspirada elección del vestuario en A Ghost Story, ya que logra convertir una imagen normalmente tonta y barata de una sábana con agujeros recortados en una imagen triste pero extrañamente divertida. Como si todas estas diferentes partes móviles y tonos variables no fueran suficientes, la película también logra ser increíblemente espeluznante y secamente divertida en varios momentos. La película termina reteniendo perfectamente la información que pensábamos que queríamos y en su lugar nos da algo infinitamente más satisfactorio.

Poco hubo que me desagradara en A Ghost Story, pero diría que, a raíz de las acusaciones de agresión sexual, me sentí en conflicto (cuanto menos) durante las escenas en las que Casey Affleck interactuaba íntimamente con Rooney Mara. También hay un monólogo nihilista sobre el punto medio de la película que es claramente apropiado a sus temas, pero resultó más molesto que interesante y podrían haber trabajado en ello un poco más. La única otra crítica que tengo es que la película podría haber pasado un poco más de tiempo con su pareja central en un principio para permitir que el público se una más a ellos, de modo que su dolor y pena eventuales tengan un impacto un poco mayor.

A Ghost Story es una especie rara de película que podría haber vuelto a ver muy felizmente a medida que avanzaban los créditos. Voy a darle un 8/10 y se lo recomendaría a los fanáticos de The Tree of Life (El árbol de la vida, Blue Valentine (Triste San Valentín), Personal Shopper y Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives (El Tío Boonmee que recuerda sus vidas pasadas). Bueno, estaba muy contento con A Ghost Story y en realidad podría pasar a un 9/10 después de volver a verla. Pero, ¿has visto A Ghost Story? Y si es así, ¿qué te pareció? Como siempre házmelo saber en los comentarios de abajo y asegúrate de suscribirte para las próximas reseñas.

It Comes At Night & Marketing Deception (Film Review With Spanish Subtitles)

Una versión en español se puede encontrar debajo.


Hello and welcome back to Faulty Projector – where we review films of the independent persuasion and the odd blockbuster too. Today's film is It Comes At Night. It Comes At Night is an indie thriller written and directed by Trey Edward Shults which was released earlier this year.

It stars Joel Edgerton, Christopher Abbott and Carmen Ejogo and focuses on a family who are holed up in a country house after the outbreak of a deadly disease. I really enjoyed Shults's first film, Krisha, as it was a story I strongly connected to with a unique style so when I heard A24 were distributing his next film and I saw the trailer I got myself ready for another great indie horror film in the vein of Oculus or The Babadook. Although It Comes At Night was not quite what I was expecting I still ended up really enjoying it.

Shults's command of form is on full display throughout the film as it looks and sounds amazing. As per the title a lot of it takes place at night and the lighting (which often relies on natural sources) and use of shadows is fantastic. The shot composition, cinematography and editing were also a highlight and several scene transitions were a joy to behold. The film is on the whole very quiet which makes the excellent sound design stand out even more – every floorboard creek or heavy breath adds to the pervasively tense atmosphere – and the score by Brian McOmber (of Dirty Projectors fame) compliments this nicely. The general atmosphere of the film is slow yet taut and this vibe is impeccably cultivated throughout.

As dialogue is at a minimum the actors have to non-verbally communicate a lot yet all acquit themselves well, especially Edgerton and Abbott who really sell their characters' dance of trust. Speaking of trust the films themes of paranoia, miscommunication and fear are all brilliantly portrayed as we never fully know who to believe or if our principal characters can overcome these barriers to live in the functional social unit they all so clearly wish for. Another positive is the portrayal of violence as it's quick, dirty, harsh and realistic and the ending to the film (which I won't spoil here) is a brutal culmination of the films key concerns.

As alluded to previously It Comes At Night is not what it's sold as. The movie is marketed as a horror film by its posters and trailers and this has led many people, myself included, to expect something that it's not. Whilst I was happy with the fraught, downbeat thriller I received I imagine many weren't and it's a shame the distributors decided to sell the movie this way. There are several sleight suggestions that something supernatural could be occurring on the outer edges of the film but these are never confirmed and I think the film would have been served better by focusing on its more human concerns. Because of these hints and narrative dead ends the film ends up feeling like it's lacking something or too short but if it had doubled down on its main themes and maybe introduced another plot thread or couple of extra characters it would have been much more satisfying.

My only other criticism would be the dream sequences and the way the film plays with aspect ratios. There are far too many dream sequences in the film and they're all telegraphed by the fact that the aspect ratio shrinks during them so we know what we're watching isn't real. The majority of the sequences aren't striking enough to warrant their prevalence and the aspect ratio change saps them of all tension. What the film could have done instead is actually what it does at the end – use the aspect ratio change not to announce a dream sequence but to highlight the paranoia and emotional claustrophobia of the characters.

It Comes At Night is an impressively crafted, tight little thriller with interesting psychological concerns which perhaps spends too long pretending to be something that it's not. I'm going to give it a 7/10 and would recommend it to fans of The Witch, Take Shelter, The Road and 10 Cloverfield Lane. Film companies – stop mismarketing your films to make more money! It's dishonest and pisses people off...but who am I kidding, if the money's there, right? But anyway, have you seen It Comes At Night and if so, what did you think of it? As always let me know in the comments below and make sure to subscribe for more reviews coming soon!


Hola y bienvenidos de nuevo a Faulty Projector, donde hablamos sobre películas independientes y en ocasiones sobre taquillazos también. La película de hoy es It Comes At Night. (Llega de noche en español). It Comes At Night es un thriller indie escrito y dirigido por Trey Edward Shults lanzado a principios de año.

Empieza con Joel Edgerton, Christopher Abbott y Carmen Ejogo y se centra en una familia refugiada en su casa de campo después del brote de una enfermedad mortal. Realmente disfruté de la primera película de Shults, Krisha, ya que fue una historia con la que conecté fuertemente con un estilo único, así que cuando oí que A24 estaba distribuyendo su próxima película y vi el tráiler, me preparé para otro gran thriller indie al puro estilo de Oculus o The Babadook. Aunque It Comes At Night no fue exactamente lo que estaba esperando, aun así, terminé disfrutándola.

El dominio de la forma de Shults está a toda pantalla a lo largo de la película, ya que se ve y suena increible. De acuerdo con el título, una gran parte transcurre durante la noche y la iluminación (que a menudo depende de fuentes naturales) y el uso de las sombras es fantástico. La composición de las escenas, la cinematografía y la edición también fueron destacables y varias transiciones de escenas fueron un regalo para la vista. La película es en general muy silenciosa, lo que hace que el excelente diseño de sonido sobresalga incluso más, cada chirrido de baldosa o cada respiración entrecortada aumenta la tensa atmósfera, y la partitura de Brian McOmber (de Dirty Projectors) lo complementa muy bien. La atmósfera general de la película es lenta aunque tensa y este ambiente está impecablemente cultivado por todas partes.

Como el diálogo es mínimo, los actores tienen que comunicarse mucho de manera no verbal, aunque todos se exculpan a sí mismos, especialmente Edgerton y Abbott, que realmente venden la confianza de sus personajes. Hablando de confianza, los temas cinematográficos de la paranoia, la falta de comunicación y el miedo se retratan todos brillantemente ya que nunca sabemos a quien creer o si nuestros personajes principales pueden superar estas barreras para vivir en la unidad social funcional que claramente todos desean. Otro aspecto positivo es la representación de la violencia, ya que es rápida, sucia, dura y realista y el final de la película (que no voy a estropear aquí) es una brutal culminación de las preocupaciones clave de las películas.

Como se dijo anteriormente It Comes At Night no es lo que se vende. La película se comercializa como una película de terror por sus carteles y trailers y esto ha llevado a mucha gente, me incluyo, a esperar algo que no es. Pese a que yo estaba contento con el thriller tenso y de lleno de emociones que recibí, me imagino que muchos no lo estarían y es una pena que los distribuidores decidieran vender la película de esta manera. Hay varias sugerencias estrafalarias de que algo sobrenatural podría estar ocurriendo en los exteriores de la película, pero estos nunca se confirman y creo que la película habría estado mejor enfocada en sus preocupaciones más humanas. Debido a estas pistas y narraciones sin salida, la película termina pareciendo que le falta algo o que es muy corta, pero si se hubieran duplicado sus temas principales y tal vez se introdujera otro hilo argumental o un par de personajes extra, habría sido mucho más satisfactorio.

Mi otra única crítica serían las secuencias de los sueños y la forma en que la película juega con las relaciones de aspecto. Hay demasiadas secuencias de sueños en la película y todas están telegrafiadas por el hecho de que la relación de aspecto se reduce durante ellas, de modo que sabemos que lo que estamos viendo no es real. La mayoría de las secuencias no son lo suficientemente llamativas como para justificar su prevalencia y el cambio en la relación de aspecto las saca de toda tensión. Lo que la película podría haber hecho en realidad es lo que hace al final: usar el cambio en la relación de aspecto para no anunciar una secuencia de sueños sino para resaltar la paranoia y la claustrofobia emocional de los personajes.

It Comes At Night es un pequeño thriller hermosamente diseñado con interesantes inquietudes psicológicas que tal vez pasan demasiado tiempo fingiendo ser algo que no son. Voy a darle un 7/10 y lo recomendaría a los fanáticos de The Witch (La bruja en español), Take Shelter, The Road (La carretera en español) y 10 Cloverfield Lane. Compañías cinematográficas: ¡dejad hacer marketing “incorrecto” de vuestras películas para ganar más dinero! Es deshonesto y molesta a la gente ... pero ¿a quién estoy engañando?, si el dinero está ahí, ¿no? Pero bueno, ¿has visto It Comes At Night? Y si es así, ¿qué te pareció? Como siempre házmelo saber en los comentarios de abajo y asegúrate de suscribirte para las próximas reseñas.

Podcast #1 Why Isn't Genre Film Taken More Seriously?

The first in a series of podcasts covering various cinematic themes and film rankings co-hosted by Dennis Routledge-Tizzard and Robert Beames. In this episode we ask why genre film isn't taken more seriously and rank our favourite films featuring dinosaurs, time travel and more!

How Blade Runner 2049 Succeeds Despite Itself (Film Review With Spanish Subtitles)

Una versión en español se puede encontrar debajo.


Hello and welcome back to Faulty Projector – where we review films of the independent persuasion and the odd blockbuster too. Today's film is Blade Runner 2049. Blade Runner 2049 is the sequel to...ah you know what? You don't need the spiel and saying almost anything about the plot spoils it so let's just dive in.

I first saw the original Blade Runner as a young teen and it, of course, blew my little brain away with its bleak vision of the future, intoxicating atmosphere and impressive vistas. I've seen it multiple times since, including a recent rewatch, and although I like it a lot and appreciate it's cultural impact, I wouldn't call it a masterpiece per se. I've never really liked Harrison Ford's screen presence (and that stupid voice he uses as a disguise here is embarrassingly bad), its vision of a multicultural LA is surface level and very one-note and the “romance” between Deckard and Rachael is anything but (in fact, it's straight up rape).

Yet I still hold it in high regard so when a sequel was announced I, naturally, braced myself for the worst. The hiring of Denis Villeneuve as director certainly calmed my scepticism somewhat (I'm a big fan of Enemy, Sicario and Arrival) and the early buzz was great. But after finally seeing the film on opening weekend I neither loathed or loved it.

The best (and sometimes worst – more on that later) thing about 2049 is that it understands the world of Blade Runner and feels very much a part of it. The world building here – conveyed via the technology, costumes, lighting and sets – is highly alluring yet believable. Like Blade Runner before it the world feels like a likely progression of our own and there's no massive jump in technological improvements due to our real world advancements in special effects. 2049 also takes time to carve out it's own visual world with colour pallets and locations new to the series and there are some great new ideas here too (the memory designer is a particular highlight).

Thankfully the pacing is just as faithful (this is no fireworks factory) and although clocking in at 164 minutes it never feels dull. But perhaps the films crowning achievement is its cinematography, expertly overseen by DP Roger Deakins. Simply put, this is one of the most beautiful films I've ever seen and if Deakins doesn't finally get his Oscar next year then there truly is no justice in this world. Like Blade Runner before it 2049 also sets up some intriguing mysteries in its narrative and poses interesting philosophical ideas to ponder on after the fact. It was also very pleasurable watching Ryan Gosling's K investigate these mysteries in true film noir fashion, going from place to place, person to person.

Speaking of the people 2049 also does a good job of improving the series's depiction of a multicultural future as it's not overtly East Asian centred and many of the people K interacts with during his investigation hail from array of different ethnic and geographical backgrounds, often speaking in their native language. All these elements combined to create a rich yet dark and dreamlike atmosphere which I could have sat in for hours. However, although action scenes are kept to a minimum there are several very impressive set pieces sprinkled throughout (I was especially fond of the opening and the explosive events in San Diego).

The films musical score sits somewhere in the middle for me – it frequently (and respectfully) pays homage to Vangelis's seminal work in the original but when it deviates from relying on his soundtrack its often overblown and sometimes actually annoying (especially towards the end of the film). One of the best things about Blade Runner was its antagonists – you cared for them as much (if not more) than the heroes of the piece and they were colourful, interesting characters. In 2049's case our chief antagonists are Niander Wallace (head of the rebranded Tyrell Corporation) and his lackey 'Luv'. Wallace is an absolute cliché bore – a corrupt corporate type with a generic God complex who is overplayed to the max by Jared Leto - and 'Luv' is a one-note bad-ass with 0% personality, so to say they're a step-down from Roy Batty et al is a huge understatement.

I can't really talk about any more of the films shortcomings without delving into spoilers so before going there I'll briefly state that I also took issue with the prevalent sexism, its under representation of POC, the plot, its ending and its failure to produce an emotional response.

SPOILERS BEGIN

Objectification of the female form is rife in Blade Runner 2049 – be it in the form of statues, holographic adverts or elsewhere. There are also at least two instances when a female replicate is created only to be brutally murdered moments afterwards. The first is made more horrific by its childlike nature and state of undress and the second because it is Rachael reborn, offered as a literal reward to Deckard but slaughtered due to a small (physical, I might add) imperfection. Also side note here but can we stop doing the CGI young face thing? Although done very well here it's also a distraction and it took me out of the movie momentarily. By films end almost every female character has been killed and often in a harsh manner.

However the worst offender here is the character of Joi – who I've seen praised as possibly the best thing in the film by many. Joi's sentience is up for debate (although I feel the film clearly sets her up as lacking any) but regardless she is a toy completely and utterly under the control of K. He can tell her what to do, what to say (or not to say) and can switch her on and off whenever he likes. This is not a depiction of an offbeat, romantic relationship – it's a sad, somewhat creepy portray of a man and his holographic girlfriend.

The sex scene, although visually interesting, is perhaps the worst part and all I could think about was Spike Jonze's Her. In that film a very similar situation is set up but the main character can't go through with it and asks the physical host (and this concept alone is problematic enough) to leave. He knows it's wrong, it doesn't sit right with him and ultimately has to forgo the experience. Not for K though, he's all in. Joi and K's relationship is clearly meant to be a key (if not the core) emotional element of the film but all it made me feel was queasy. I will say, however, that Ana De Armas is not at fault here – she does a great job with the role, especially in its more physically demanding aspects.

Whilst I praised 2049's extended depiction of multiculturalism the main cast are still all English speaking Caucasians. This would be disappointing in any film but here it stings more than most as a core idea of the series is that the future looks less and less white. Which it does, so long as you're not important. Another major issue for me was the plot. The main story, of a replicant-made child and replicant revolution brewing in the background, could have been amazing but its so thinly sketched it leaves little impact. The film sets up these interesting, although not particularly original, ideas and then just leaves them sitting there.

It could just be me but also a lot of stuff is either under-explained or just doesn't make any sense. Why, when K tells her he's disposed of the child, does Joshi take the information at face value without proof? If the revolution want K to kill Deckard why don't they heal his massive abdominal wound (which is also the wound that ultimately kills him)? Why are K and Deckard not stopped by the police and/or Wallace Corp as soon as they re-enter Los Angeles? How is Deckard able to gain access to Ana's lab? K got in because he's a cop but surely they don't just let any old person see her? Finally if Wallace Corp want Deckard because he helped birth a child with Rachael surely that means he is, 100% for certain, a replicant too? Otherwise he would be of no use, just a guy who impregnated a replicant and the whole “Ooooh, they still didn't say if he's a replicant or not” thing doesn't hold up at all.

The ending was also a big let down for me, and I actually couldn't believe it ended where it did. The finally fight was hugely anticlimactic, oddly staged and even a little silly. I don't know why but the sight of Harrison Ford sitting helpless in that t-shirt made him look more like a confused old man in a nursing home that it did a former detective struggling to break free and escape. I felt next-to-nothing when Deckard meets Ana and along with the revolution storyline it was disappointing to find them clearly leaving things open for a sequel.

Lastly, and perhaps most importantly, Blade Runner 2049 just left me cold. After realising, 10 minutes in, that they'd nailed the look and tone of the original I relaxed but then 20 minutes later felt something was off. I then realised it was because I didn't care about anybody on screen. This changed when K (whom I pleasantly surprised to discover was a replicant at the beginning) found out he was perhaps more human than he originally thought. The depiction of his child memories and self-actualisation was actually really moving but this is all completely dashed with the revelation that Ana, and not K, is Rachael's child.

SPOILERS END

If Blade Runner 2049 wasn't so visually stunning and didn't exist in such a fascinating sci-fi world I think its weaknesses would far outweigh its strengths. I'm going to give it a 6/10 and would recommend it to fans of the original Blade Runner, Ghost In The Shell, Westworld and Ex Machina. Just like The Beguiled before it I really wanted to love Blade Runner 2049 but came out of it with no passionate feeling either way. But have you seen the film and if so, what did you think of it? As always let me know down in the comments and make sure to subscribe for more reviews coming soon!


Hola y bienvenidos de nuevo a Faulty Projector, donde hablamos sobre películas independientes y en ocasiones sobre taquillazos también. La película de hoy es Blade Runner 2049. Blader Runner 2049 es la secuela de… ¡Ah! ¿Sabes qué? No necesitas la charla y decir casi cualquier cosa sobre la trama lo arruinaría, así que vamos a zambullirnos.

Vi por primera vez la original Blade Runner cuando era un joven adolescente y, por supuesto, hizo que mi pequeño cerebro volara lejos con su desalentadora visión del futuro, su atmosfera embriagadora y sus impresionantes visiones. La he visto muchas veces desde entonces, incluyendo una reciente reedición, y aunque me gusta mucho y aprecio su impacto cultural, no la llamaría una obra maestra per se. Nunca me ha gustado la presencia de Harrison Ford en pantalla (y esa estúpida voz que usa como disfraz aquí es vergonzosamente mala), su visión de un multicultural Los Ángeles es superficial y monótona y el “romance” entre Deckard y Rachael es de todo menos eso (de hecho, realmente es una violación).

Sin embargo, todavía le tengo mucho aprecio, así que cuando se anunció la secuela, naturalmente, me preparé para lo peor. La contratación de Denis Villeneuve como director ciertamente calmó mi escepticismo de alguna manera (soy un gran fan de Enemy, Sicario y Arrival [La llegada en español]) y el rumor temprano fue genial. Pero después de ver finalmente la película en el fin de semana da su estreno, ni la detesto ni me encanta.

Lo mejor (y a veces lo peor, más de esto después) sobre 2049 es que entiende el mundo de Blade Runner y se siente en gran medida como parte de él. El mundo construido aquí, transmitido a través de la tecnología, el vestuario, la iluminación y los escenarios, es altamente atractivo y creíble. Al igual que Blade Runner anteriormentr, el mundo refleja una probable progresión del nuestro y no hay un salto masivo en las mejoras tecnológicas debido a nuestros avances en el mundo real en efectos especiales. 2049 también se toma su tiempo para crear su propio mundo visual con paletas de color y localizaciones nuevas para las series y hay algunas nuevas ideas aquí también (el diseñador de memoria es un punto destacado). Afortunadamente, el ritmo es tan fiel (esto no es una fábrica de fuegos artificiales) y aunque dura 164 minutos nunca te aburres.

Pero quizá la película corona su éxito con su cinematografía, expertamente supervisada por DP Roger Deakins. En pocas palabras, esta es una de las películas más bellas que he visto y si Deakins finalmente no consigue su Oscar el próximo año, entonces realmente no hay justicia en este mundo. Como Blade Runner anteriormente, 2049 también establece algunos misterios intrigantes en su narrativa y planta interesantes ideas filosóficas para reflexionar después del hecho. También es muy agradable ver a K, Ryan Gosling, investigar estos misterios en una verdadera película de cine negro, pasando de un lugar a otro, de persona en persona.

Hablando de esto, la gente de 2049 también hace un buen trabajo al mejorar la representación de la serie de un futuro multicultural, ya que no se centra abiertamente en Asia Oriental y muchas de las personas con las que K interactúa durante su investigación provienen de diferentes orígenes étnicos y geográficos al de su lengua materna. Todos estos elementos se combinaron para crear una atmósfera rica pero oscura y de ensueño con la que podría haber estado sentado durante horas. Sin embargo, a pesar de que las escenas de acción se mantienen en un mínimo, hay varias piezas bastante impresionantes salpicadas a lo largo de la película (estaba pensando concretamente en la apertura y en los explosivos eventos en San Diego).

La puntuación musical de la película está en el medio para mí, con frecuencia (y respetuosamente) rinde homenaje al influyente trabajo de Vangelis en la original, pero cuando se desvía de su banda sonora a menudo es exagerada y en ocasiones realmente molesta (especialmente hacia el final de la película). Una de las mejores cosas de Blade Runner fueron sus antagonistas, te preocupabas mucho por ellos (si no más) que por los héroes de la pieza y fueron personajes coloridos e interesantes. En el caso de 2049 nuestros antagonistas principales son Niander Wallace (jefe de la marca Tyrell Corporation) y su lacaya “Luv”. Wallace es un cliché absoluto, un tipo corporativo corrupto con un complejo de Dios genérico que es exagerado al máximo por Jared Leto, y “Luv” es una agresiva monótona con 0% de personalidad, así que decir que ellos están un peldaño por debajo de Roy Batty y otros es un gran eufemismo.

Realmente no puedo hablar de más deficiencias de la película sin ahondar en spoilers, así que antes de llegar a ese punto, declararé brevemente que yo también tuve problemas con la prevalencia del sexismo, con la baja representación de la gente de color, con el argumento, con su final y con su fracaso en producir una respuesta emocional.

SPOILERS COMIENZAN

La cosificación de la forma femenina es abundante en Blade Runner 2049, ya sea en forma de estatua, anuncios holográficos o en cualquier otro lugar. También hay al menos dos momentos en los que una réplica de mujer es creada únicamente para ser brutalmente asesinada momentos después. La primera se hace más horrible debido a su naturaleza infantil y a su estado de desnudez y la segunda porque es Rachel renacida, ofrecida como una recompensa literal a Deckard, pero masacrada por una pequeña imperfección (física, debería añadir). Un inciso también aquí, pero ¿podemos parar de hacer caras jóvenes con CGI? Aunque aquí está muy bien hecha, también es una distracción y me sacó de la película momentáneamente. Para el final de la película casi todos los personajes femeninos han sido asesinados y a menudo de manera dura.

A pesar de esto, el peor delincuente aquí es el personaje de Joi, a quien he visto ser elogiada como posiblemente la mejor parte de la película para muchos. La sensibilidad de Joi es para debate (aunque siento que la película claramente la pone en falta), pero en cualquier caso es un juguete bajo el control de K completa y totalmente. Él puede decirle qué hacer, qué decir (o no decir) y puede encenderla y apagarla siempre que quiera. Esto no es una representación de una relación romántica poco convencional es un retrato triste y algo espeluznante de un hombre y su novia holográfica.

La escena del sexo, aunque visualmente interesante, es quizás la peor parte y todo en lo que pude pensar fue en Her de Spike Jonze. En esa película se establece una situación muy similar, pero el personaje principal no puede continuar con eso y le pide al anfitrión físico (y este concepto por sí solo es lo suficientemente problemático) que se vaya. Él sabe que está mal, no se siente bien con él y en última instancia tiene que renunciar a la experiencia. No para K, sin embargo, él va a por todas. La relación entre Joi y K esta claramente destinada a ser un elemento emocional clave (si no el núcleo) de la película pero lo que me hizo sentir fueron nauseas. Diré, sin embargo, que Ana de Armas no tiene la culpa aquí, hace un gran trabajo con su papel, especialmente sus aspectos más exigentes físicamente.

Mientras elogiaba la representación extendida del multiculturalismo en 2049, el elenco principal sigue estando formado por caucásicos de habla inglesa. Esto sería decepcionante en cualquier película, pero aquí pica más que en la mayoría, porque una idea central de la serie es que el futuro se ve cada vez menos blanco. Lo que se hace, siempre y cuando no seas importante. Otra cuestión importante para mí fue la trama. La historia principal, un niño replicante y la revolución replicante que se prepara en el fondo, podría haber sido asombrosa pero su fino esbozado deja poco impacto. La película establece estas interesantes, aunque no particularmente originales, ideas y luego simplemente las deja allí aparcadas.

Podría ser solo yo, pero un montón de cosas se explican poco o simplemente no tiene ningún sentido. ¿Por qué, cuando K le dice que él ha dispuesto al niño, Joshi toma la información al pie de la letra sin pruebas? Si la revolución quiere que K mate a Deckard, ¿por qué no sanan su enorme herida abdominal (que es también la herida que finalmente lo mata)? ¿Por qué K y Deckard no son detenidos por la policía y/o por Wallace Corp tan pronto como regresen a Los Ángeles? ¿Cómo puede Deckard conseguir acceso al laboratorio de Ana? K entró porque él es un policía, pero seguramente no dejarían que cualquier anciano la viese. Finalmente, si Wallace Corp quiere a Deckard porque ayudó al nacimiento de un niño con Rachael ¿eso seguramente significa que él es, 100% seguro, un replicante también?

De lo contrario, sería inútil, sólo un tipo que impregnó un replicante y el conjunto "Ooooh, todavía no dijo si es un replicante o no" no se podría sostener en absoluto. El final fue también una gran decepción para mí, y en realidad no podía creer que terminó donde lo hizo. La pelea final fue enormemente anticlimática, curiosamente puesta en escena e incluso un poco tonta. No sé por qué, pero la visión de Harrison Ford sentado indefenso con esa camiseta lo hizo parecer más como un anciano confundido en un hogar de la tercera edad que un ex detective luchando para liberarse y escapar. No sentí casi nada cuando Deckard conoce a Ana y, junto con la historia de la revolución, fue decepcionante, dejando claramente las cosas abiertas para una secuela.

Por último, y quizás lo más importante, Blade Runner 2049 me dejó frío. Después de darme cuenta, a los 10 minutos, vi que habían clavado la apariencia y el tono de la original me relajé, pero luego, 20 minutos más tarde, sentí que algo estaba apagado. Entonces me di cuenta de que era porque no me importaba nadie en la pantalla. Esto cambió cuando K (quien me sorprendió gratamente cuando supe que era un replicante al principio) descubrió que quizás era más humano de lo que pensaba originalmente. La representación de sus recuerdos infantiles y su autorrealización fue en verdad realmente emocionante, pero todo esto se desvaneció completamente con la revelación de que Ana, y no K, es la hija de Rachael.

SPOILERS END

Si Blade Runner 2049 no fuese tan visualmente impresionante y no existiese en un mundo de ciencia ficción tan fascinante, creo que sus debilidades sobrepasarían sus fortalezas. Voy a darle un 6/10 y se lo recomendaría a los fans de la película original de Blade Runner, Ghost In The Shell, Westworld y Ex Machina. Al igual que The Beguiled anteriormente, en verdad quería amar Blade Runner 2049, pero salí de ella sin ningún sentimiento apasionado de ninguna forma. Pero, ¿has visto la película? Y si es así, ¿qué piensas de ella? Como siempre házmelo saber en los comentarios de abajo y asegúrate de suscribirte para las próximas reseñas.

The Beguiled Film Review (With Spanish Subtitles)

Una versión en español se puede encontrar debajo.


Hello and welcome back to Faulty Projector – where we review films of the independent persuasion and the odd blockbuster too. Today's film is The Beguiled. The Beguiled is a 2017 indie drama written for the screen and directed by Sofia Coppola. It is simultaneously a remake of the 1971 Don Siegel film and an adaptation of the source novel by Thomas P. Cullinan, both of the same name.

It stars Nicole Kidman, Colin Farrell, Kirsten Dunst and Elle Fanning and is set in Virginia during the American Civil War, detailing what happens when the relative peace of a girls' school is shattered by the arrival of a wounded Union soldier. I've been a big fan of Sofia Coppola's work for many years – I especially love her first two feature films (The Virgin Suicides and Lost In Translation) – and both this films Cannes success and following reviews left me very excited to sit down with it. However, unfortunately, The Beguiled left me somewhat disappointed.

But let's start with the good; this film is god damned beautiful. Shot on 35mm film and framed at an aspect ratio of 1.66:1 it's equal parts suffocating and bewitching in its cinematography. The way the grounds of the estate, and surrounding forestland, are shot is simply stunning and, combined with the ever-present mist, the imagery creates a truly seductive atmosphere. The ensemble cast is also incredible – from Kidman to Farrell and everyone else in between.

Every actor has to play characters pretending to be someone they're not – be it a trustworthy, honourable man, a stately woman in control or a pure and chaste girl – and all pull it off perfectly. The costume design and make-up are also flawless as each dress, piece of jewellery or hairstyle aside from looking amazing also says so much about who each character is and what they want. The film is also, a times, absolutely hilarious in it's own jet black way. A scene featuring an apple pie should have you in hysterics and the things that come out of one of the youngest children in particular are unforgettable.

The topic of humour, however, transitions us nicely into the films flaws. I actually forgot the film was meant to be humorous in places and when the first 'joke' lands, 15 minutes into the film, it really caught me off guard. This is symptomatic of the film as a whole – it doesn't sufficiently commit to one tone or idea and the jump from one to the other can be quite jarring. Another issue this raises is that as it doesn't lean into one style or concept enough it ends up feeling lacking overall.

Coppola's films are also famous for having an air of detachment about them but this was perhaps the first time that it became an issue for me. Everything feels so out of reach and too suggestive to the effect that it ultimately lacks impact. Also the story, from basically just after what the trailers show and onwards, follows a fairly boring and predictable trajectory. Finally, without spoiling anything, I'd say that the ending felt very perfunctory and anticlimactic.

Before I wrap and provide my score for the film I want to briefly discuss the issues surrounding the removal of people of colour from this telling of the story. In the book and 1971 version of the film there is a black slave character and one of the girls at the school is of dual ethnicity and both these characters are missing in Coppola's version. Whilst Sofia Coppola definitely has an aversion to telling non-white stories (or even representing them in her narratives at all) that is disappointing I think that her defence, that she didn't want to run the risk of mishandling or side-lining the topic of slavery and racism, is an acceptable one.

The Beguiled is a beautiful, very well acted and somewhat intriguing film which fails to stick the landing narratively or emotionally. I'm going to give it a 6/10 and would recommend it to fans of The Virgin Suicides, Mustang, We Are What We Are and The Keeping Room. So after looking forward to The Beguiled for so long it was a shame that I didn't enjoy it that much but I'd still recommend it - both people I watched it with really enjoyed it. But have you seen The Beguiled and if so, what did you think of it? As always let me know in the comments below and make sure to subscribe for more reviews coming soon!


Hola y bienvenidos una vez más a Faulty Projector - donde hago reviews de películas independientes y el blockbuster infrecuente también. La película de hoy es The Beguiled [La seducción en español]. The Beguiled es un drama indie de 2017 escrito para la pantalla y dirigido por Sofia Coppola. A la vez es un remake de la película de 1971 de Don Siegel y una adaptación de la novela escrita por Thomas P. Cullinan, ambas con el mismo nombre.

Protagonizada por Nicole Kidman, Colin Farrell, Kirsten Dunst y Elle Fanning y ambientada en Virginia durante la Guerra Civil Americana, cuenta lo que sucede cuando la relativa paz de una escuela de niñas se hace añicos con la llegada de un soldado herido de la Unión. He sido un gran admirador del trabajo de Sofia Coppola desde hace muchos años, me gustan especialmente sus dos primeros largometrajes (The Virgin Suicides [Las vírgenes suicidas en español] y Lost In Translation), y tanto el éxito de esta película en Cannes como las críticas posteriores me dejaron con ganas de sentarme con él. A pesar de eso, desafortunadamente, The Beguiled me dejó algo decepcionado.

Pero empecemos por lo bueno, este largometraje es condenadamente bonito. Filmada en una película 35mm y enmarcada en ratio de aspecto de 1.66:1 es sofocante y cautivadora a partes iguales en su cinematografía. La forma en la que los terrenos de la finca y el bosque circundante son grabados es simplemente deslumbrante, combinada con la siempre presente neblina, las imágenes crean una atmósfera verdaderamente seductora. El elenco también es increíble, desde Kidman a Farrell y pasando por todos los demás.

Cada actor tiene que interpretar personajes que fijen ser alguien que no son (sea un honorable hombre digno de confianza, una poderosa mujer en el poder o una pura y casta niña) y todos lo hacen a la perfección. El vestuario y el maquillaje son también perfectos, pues cada vestido, joya o peinado, aparte de verse asombroso, dice mucho sobre sobre quién es cada personaje y qué quiere. El filme también es, a veces, desternillante en su propio humor negro. Una escena con un pastel de manzana debería provocarte un ataque de risa y las cosas que salen de uno de los niños más jóvenes en particular son inolvidables.

El tema del humor, sin embargo, nos muestra muy bien los defectos de las películas. De hecho, olvidé que la película tenía la intención de ser humorística por momentos y cuando llegó el primer “chiste”, 15 minutos después del inicio, realmente me pillo con la guardia baja. Esto es sintomático de la película en general, no se compromete lo suficiente con un tono o idea y el salto de uno a otro puede ser bastante chocante. Otra cuestión que plantea es que como no se inclina lo suficiente a un estilo o concepto termina pareciendo insuficiente en general.

Las películas de Coppola también son famosas por tener un aire de desapego sobre ellas, pero esta fue quizá la primera vez que se convirtió en un problema para mí. Todo parece fuera de alcance y tan insinuante de efecto que al final carece de impacto. La historia, básicamente justo después de lo que muestran los trailers y los adelantos, sigue también una trayectoria bastante aburrida y predecible. Finalmente, sin desvelar nada, diría que el final se sintió superficial y decepcionante. 

Antes de envolver y de dar mi puntación al largometraje, quiero discutir brevemente los problemas relacionados con la eliminación de los personajes de color de este relato de la historia. En el libro y en la versión de la película de 1971 hay un personaje de un esclavo negro y una de las niñas de la escuela tiene doble etnia y ambos personajes desaparecen en la versión de Coppola. Mientras que Sofia Coppola tiene definitivamente aversión a contar historias de no blancos (o incluso sin representarlos en absoluto en sus narrativas), lo que es decepcionante, en su defensa pienso que ella no quería correr el riesgo de manejar mal o marginar el tema de la esclavitud y el racismo, lo que es más aceptable.

The Beguiled es una película bonita, muy bien actuada y de alguna manera intrigante que falla a la hora de enganchar el aterrizaje narrativo o emocional. Voy a darle un 6/10 y la recomendaría a los fans de The Virgin Suicides (Las vírgenes suicidas), Mustang, We Are What We Are (Somos lo que somos) y The Keeping Room (En defensa propia). Así que después de esperar tanto por The Beguiled fue una lástima que no la disfrutase mucho, pero aun así la sigo recomendando, la gente con quien la vi realmente la disfrutaron. Pero, ¿has visto The Beguiled? Y si es así, ¿qué piensas sobre ella? Como siempre házmelo saber en los comentarios de abajo y asegúrate de subscribirte para las próximas reseñas.

The Way Film Review (With Spanish Subtitles)

Una versión en español se puede encontrar debajo.

Hello and welcome back to Faulty Projector – where we review films of the independent persuasion and the odd blockbuster too. Today's film comes courtesy of my 100th subscriber, Rhiannon Stone, and is The Way.

The Way is a United States/Spanish co-production written, produced, directed by (and staring!) Emilio Estevez. It also stars Martin Sheen, Yorick van Wageningen, Deborah Kara Unger and James Nesbitt and was released in Spain in 2010 and in The States and UK in 2011. The plot concerns a North American traveler who dies whilst on El Camino De Santiago (a religious hiking route through Spain) but when his father heads abroad to collect the body he decides to travel the route himself.

The best thing about The Way, for me personally, was the fact that it was set in Spain and focuses on El Camino De Santiago. Santiago is close to where I live in Spain and although I've not yet done the route I have walked sections of it and visited some of places in the film. I got a real kick out of seeing the cities, landscape and culture portrayed in the film and on the whole it was accurately depicted. This is in no doubt due to the fact that the inspiration for the film came from the director's son and his father actually doing the route and it on the whole, despite the odd misstep, paints a realistic, respectful picture of the country and the route.

The film employs a welcome relaxed pace and enjoyable tone, making it thoroughly agreeable and often quite funny – whether this is due to clashes of culture, age or personality – and many scenes will leave a smile on your face. It's also well acted, especially by Martin Sheen who sells his character's grief and quiet devastation fantastically. It's also worth mentioning that whilst the film does feature concerns of faith it thankfully doesn't hit you over the head with its religious themes and keeps things even handed enough by being critical of the church in a few key character moments.

What holds the film back, however, is its thinly sketched and predictable characters, dialogue and story arcs. The moment you meet any character in the film you know exactly what's going on with them and where they're headed and the film, sadly, doesn't prove you wrong. Although on the whole it takes a subdued approach it also has some very emotionally manipulative and over-the-top moments which really let it down. With a running time of over two hours the film is also way too long and relies on a hyper repetitive structure – introduction to new character, montage of walking through the countryside set to inoffensive music, arrive at city location for character conflict. Rinse and repeat.

Speaking of the soundtrack, although it does, to its credit, contain some decent Spanish language tracks, it mostly settles for cookie-cutter, outdated and bland indie music which felt really cheesy. It also, somewhat confoundingly, features an array of incredibly annoying secondary characters. Each of the main character's companions are extremely stereotypical and grating, almost to an absurd degree. Whilst I praised its portray of Spain overall the film does seem to have a slightly odious infatuation with bull fighting which is sadly unsurprising but left a bad taste in my mouth nonetheless. Finally, for a film which so heavily features the impressive landscapes of Spain it fails to truly capture its beauty due to some unfortunately flat cinematography and run-of-the-mill framing.

It's hard to hate a film like The Way as it's the rare North American film which depicts foreign countries with care, it's enjoyable enough and has its heart in the right place but ultimately comes off as cliché and limp. I'm going to give it a 5/10 but I would recommend it to fans of films like The Best Exotic Marigold Hotel, The Bucket List, All Is Lost and A Walk In The Woods.


Hola y bienvenidos una vez más a Faulty Projector - donde hago reviews de películas independientes y el blockbuster infrecuente también. La elección de la película de hoy, The Way es cortenía de mi suscriptor número 100, Rhiannon Stone.

The Way es una coproducción de España y Estados unidos. Escrita, producida, dirigida (y protagonizada!) por Emilio Estevez. Junto a Martin Sheen, Yorick van Wageningen, Deborah Kara Unger y James Nesbitt. Se estrenó en España en el año 2010 y en Estados Unidos y Reino Unido en 2011. La trama se desarrolla en torno a un peregrino norteamericano que muere en El Camino de Santiago. (Una ruta religiosa a través de España) pero cuando su padre viaja al extranjero para recoger el cuerpo de su hijo, él decide hacer la ruta por sí mismo.

Lo mejor de The Way, personalmente, fue el hecho de que se desarrolla en España y se centra en El Camino de Santiago. Yo vivo cerca de de Santiago, en España, y a pesar de que todavía no he hecho el peregrinaje hasta la ciudad, he caminado por sus calles y visitados algunos lugares que aparecen en la película. Flipé viendo las ciudades, los paisajes y la cultura proyectada en la película, que en su conjunto estaba perfectamente representada. No hay duda, debido al hecho de que la inspiración para la película venga del hijo del director y su padre haciendo la ruta realmente y esto en su conjunto, a pesar del extraño tropiezo, nos muestra una pintura realista del país y de su camino. 

La película utiliza un buen ritmo relajado y un tono entretenido, haciéndolo plenamente agradable y a veces bastante divertido - se debe al choque entre cultura, tiempo y personalidad - y muchas escenas te dejan una sonrisa en la cara. Los actores están muy bien, especialmente Martin sheen que nos muestra un personaje apenado y bastante devastado de una manera extraordinaria. Merece la pena mencionar también que pese a que la película contiene alusiones a la fe, es de agradecer que no te llene la cabeza con temas religiosos. Manteniendo una postura imparcial, criticando a la Iglesia a través de algunos personajes. 

Lo que tira para atrá de la película, sin embargo, son las pocas descripciones y los personajes, diálogos y líneas argumentales predecibles. El momento en que conoces a cualquier personaje en la película y sabes exactamente lo que está pasando y hacia donde se dirige la película y, tristemente, te das cuenta de que no estas equivocado. Aunque en su conjunto tiene un tono apagado, también hay mucha manipulación emocional en los momentos de clímax, lo que realmente me hace venirme abajo. Durante las 2 horas que dura la película es también un viaje demasiado largo y revela una estructura muy repetitiva - introducción de un nuevo personaje, montaje caminando a traves de los campos mientras suena una música inofensiva, llega a la localización para tener un conflicto de personajes. Enjuaga y repite.

Hablando de la banda sonora, aunque lo hace, tiene mérito, porque contiene algunas pistas decentes en español, la mayoría resueltas de forma repetitiva, pasada de moda y música indie realmente empalagosa. Esto también , de alguna manera, presenta a personajes secundarios increiblemente irrritantes. La mayoría de los acompañantes de los personajes principales están extremadamente esteriotipados y chirrían, casi llegando a lo absudo. Pese a que disfruté de este retrato de España a lo largo de la película, parece que es un poco obsesivo con las corridas de toros. Lo que no me sorprende, tristemente. Sin embargo, deja un mal sabor de boca. Finalmente, para una película que tiene un atractivo tan fuerte como los paisajes de España, falla realmente al captar la belleza, debido a, desafortunadamente, cinematografía insípida y planos faltos de gracia.

Es complicado odiar una película como The Way y es extraño que una película norteamericana represente países extranjeros con ciudado, es suficientemente entretenida y conmueve en el momento correcto pero finalmente es blandengue y se convierte en un cliché. Le doy un 5/10 pero la recomendaría a los fans de películas como The Best Exotic Marigold Hotel, The Bucket List, All Is Lost y A Walk in The Woods.

Introducing Faulty Projector Recommends

Introducing Faulty Projector Recommends: A digital library of recommended films, compiled over the course of 15+ years, by yours truly.

https://faultyprojectorrecommends.tumblr.com/

You can scroll down and browse or use the search function up top to search for independent film or by director, genre etc.

There's also a link to my review for each film which has one underneath the title.

There're 100 films listed thus far but it will grow about eight fold over the next few weeks.

Have a look, enjoy and tell me what you think!

My Top Ten Films of the Previous Decade (2000-2009)

PLEASE NOTE: This article was written in 2010, and originally posted on my Wrapped In Brown 

Paper blog, and precedes Faulty Projector.

So a) I don't usually do this kind of thing and, b) I've technically retired from film journalism but my good old buddy Robert Beames (read his version here) has managed to convince me to write up a top ten list for the last decade. I decided to have no rules (I didn't choose one for each year or decide I had to cover each genre etc.), except one; these films had to really connect with me on a personal level. This was a really hard task, especially since I could only choose ten films but I'm confident that it's reflective of my taste and, by extension, myself. Without further ado, the list (which is in no particular order) is as follows:

1. Control (2007, Anton Corbijn)
I'll admit it; before seeing this film I'd never given Joy Division the attention they so fully deserved and I was unfamiliar with the full extent of front man Ian Curtis' life and history. Control is far more than just a film about an indie band though; it's funny, moving, exquisitely shot and amazingly acted modern masterpiece of British cinema. It's not surprising in the least to find that Corbijn was a world famous photographer before he began directing as his black and white photography in the film is among the best I have ever seen (and adds much to the tone of the film). It had such an enormous impact upon me that upon leaving the cinema I actually couldn't speak for five whole minutes. Can't fault that soundtrack either. ;)

2. Mulholland Drive (2001, David Lynch)
Unfortunately I hadn't gotten into David Lynch when this was released in theatres but it's impact wasn't tainted in the least by catching up with it on home video. I'm a massive David Lynch fan in general (but was fairly disappointed with INLAND EMPIRE) and I'd be hard pressed to decide between Eraserhead, Blue Velvet, The Elephant Man or this as my favourite of his. Mulholland Drive is, as with most Lynch, a wonderfully stylised head-fuck but it still elicits strong emotional responses from the audience (and a work-out-able narrative structure, so long as you're going along with the common consensus). Lynch's bitter sweet love letter to the movie industry is essential cinema and is up there with the likes of Sunset Blvd. and Vertigo.

3. Hunger (2008, Steve McQueen)
Hunger is another one of those films where I knew next to nothing about the factual events it depicted but one which (just as in Control) doesn't condemn or worship it's morally complex historical figures. Hunger is a harsh film but the music, cinematography and mise-en-scene all combine to create a beautifully haunting atmosphere which had me completely entranced from start to finish. Michael Fassbender, playing the central role of Bobby Sands, is also sublime, especially in the ten minute one-shot heated debate between him and a Catholic priest. As with most films focusing on the IRA or 'troubles' in Ireland it's got a lot of negative things to say about the British but if this film is any indication then I'd don't blame them.

4. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004, Michel Gondry)
Gondry's second effort with screenwriter Charlie Kaufman (choosing one Kaufman film for this list was also an especially hard task) is one of the few romantic films that I can truly, and I mean truly identify with. It's honest, unashamed and so full of heartfelt affection that it breaks (and mends) my heart each and every time I see it. The film also cleverly plays with ideas of memory and dream states both in it's style and narrative.The striking visual style and post-modern tone felt original and fresh (and still does, for that matter) and it's true brilliance is that in the hands of many other film-makers it could have easily overshadowed the emotional connection between the audience and it's characters. Who knew Jim Carrey could deliver such a devastatingly dramatic performance?

5. Requiem for a Dream (2000, Darren Aronofsky)
Yes I know it's only really saying one thing, that drugs can fuck you up, but since when has that been a bad thing? It's the way in which the film translates this message, and the different circumstances which in which it makes this point (do NOT trust your doctor if he prescribes you diet pills), which really make it stand out. Requiem is a true force of cinematic nature; it starts fairly off-kilter and builds and builds until it violently rapes the majority of your senses during it's final moments (in the best way possible). This is another film which is heavy on style (utilising sound design and editing to create a distinctive atmosphere which is at times exhilarating and others extremely terrifying) but not at the expense of dramatic heft. It also features a score so good it was used in about a million different trailers after it's release and includes a master class in acting from Ellen Burstyn (who was completely and utterly robbed of her Oscar).

6. The Squid & the Whale (2005, Noah Baumbach)
It's very rare that I watch a film and literally feel like someone has just taken my life and put it to celluloid but The Squid & the Whale (along with Nil By Mouth, which was unfortunately released in '97) is one of those films. It chronicles the breakup of husband and wife with the focus squarely on the children. Lies, emotional manipulation and continuous confusion are the order of the day and seldom have I seen these emotions so honestly put to screen. It's not an overly depressing film but neither does it sugar-coat events (don't let the tone of the trailer fool you) and there are also some hilarious moments throughout. Jeff Daniels puts in a career best and it also features Jesse Eisenberg before he got annoyingly typecast.

7. The Virgin Suicides (2000, Sofia Coppola)
Sofia Coppola's debut (although her second film, Lost in Translation, could have easily been on this list) is, put simply, serenely hypnotising. The superb soundtrack by French electro-pop duo Air, narrative pace and stunning cinematography combine to create what I can only describe as the most beautiful yet tainted dream you'll ever not have. Suicides details the suicide of four teenage girls who were living in 1970s suburbia. The film prefers to focus on the smaller details of the girls' coming of age (instead of delivering melodramatic moments at a fast pace) whilst their overprotective, overly religious and old fashioned mother tries to cocoon their innocence. The story is told from the perspective of a group of boys from the neighbourhood who become enamoured with the girls and the way the film conveys their fascination with, awe at, and lack of understanding of the girls is pitch perfect.

8. Elephant (2003, Gus Van Sant)
Again, it was hard to choose between this and Van Sant's later film, Paranoid Park, but the fact that these events (Elephant is essentially a fictional re-telling of the Columbine High School massacre) actually happened make it far more harrowing. Most of the film is spent following around several high school students in what seems to be the average day. Van Sant's depiction of this average high school day is the most realistic and engaging one I have ever seen which makes the final thirty minutes all the more shocking and emotionally affecting. It also helps that, although all unknowns (and this was most definitely a wise casting decision), the actors playing these teenagers are extremely believable in their roles. It's hard to properly describe exactly why I love this film so much but, along with what I've already stated, it just gives off an amazing atmosphere that completely and utterly sucks you in.

9. Donnie Darko (2001, Richard Kelly)
There's so much bad air surrounding Donnie Darko (the emo associations, the director's cut, the direct-to-DVD sequel and Kelly's subsequently terrible films for starters) that it's easy to forget how brilliant this film really is. Not only is Donnie Darko a really interesting sci-fi mystery (I'll be the first to admit I still don't completely understand the film) but it's also one of the best coming of age films we've seen for a long time. The 80s setting is perfect for this (as is the accompanying soundtrack) as we see Donnie struggle with inner demons, family relations, difficulties at school and lest we forget, first love. It's also a film with a lot to say about suburbia and middle class lifestyles (the fact that he opening scene is highly reminiscent of Blue Velvet's is no mistake) as Donnie encounters all manner of dark secrets hidden underneath the white picket fences which litter his neighbourhood.

10. Children of Men (2006, Alfonso Cuarón)
From the very first scene of Children of Men, you know it's going to pull no punches in it's depiction of a dystopian future in which women can no longer bear children. And and I'm a sucker for dystopian futures. The brilliance of the film is that the future portrayed is a tangible one. No one's running around in flying cars or shooting death rays out of their eyes. It's an ugly, violent, dirty and above all, real world which the audience can relate to. The way the film uses this backdrop to bring up the issues of today (immigration, over population, police corruption and brutality) is scarily on the mark in that you can see it happening. The documentary style employed by Cuarón, in particular the breathtaking long shots, also help to convey this grim sense of what could be and the action sequences are second to none.

So in conclusion it seems I have a massive hard-on for American indie coming of age films set in the suburbs and depressing Brit flicks. Here are some films (not already mentioned) that just missed the cut:

District 9, Memento, You, Me and Everyone We Know, Bloody Sunday, The Woodsman, The Three Burials of Melquiades Estrada, Half Nelson, The Royal Tenenbaums, Quiet City, Rachel Getting Married, Sympathy for Mr. Vengeance, Pan’s Labyrinth and Junebug.